k[A]l3utun 0v[E]rdr1v3 está de volta. Desta vez com um novo codinome: FR[A]CKist3nZ. Uma palavra aglutinada cujos elementos combinados são “Fractal”, “Hacker” e “eXistenZ” de Cronenberg.

Fractal vem do software “holofractal” de euFräktus, criado para a Orquestra de Laptops de Brasília, adotado por k[A]l3utun 0v[E]rdr1v3. Mas, em vez de usá-lo, como pretendido (como improvisação ao vivo), ele grava várias faixas, aumenta seu volume ao máximo e as entrelaça em uma explosão torrencial de puro ruído elétrico. Do tipo, ou que arrasa cidades, ou que te ajuda a ter um bom e relaxante sono.

Este é um EP extraordinário, que destaca algo que pode ser menos evidente no lançamento anterior do k[A]l3utun 0v[E]rdr1v3 (https://dionysian-industrial.bandcamp.com/album/h4ck1ng-fantasma-outras-bruxarias-do-c4os): uma forte conexão com a cultura popular/folclórica brasileira. Mais claramente aqui, as letras estão em versos simples rimados, derivados da narrativa popular, em especial, do “cordel” (ou “cordel nordestino”, já que estão amplamente associados à cultura rural mais antiga do Nordeste brasileiro).

Os Cordéis são livretos pequenos e impressos de forma barata, que contam uma história ou descrevem um lugar, na forma de uma balada rimada. Geralmente acompanhado por ilustrações, bem característica, em estilo de impressão xilográfica (gravura em madeira). k[A]l3utun 0v[E]rdr1v3 em si, e os outros projetos do artista, dialogam com esse estilo popular, utilizando tanto o esquema de rimas nesta música cybernoise, quanto imagens reminiscentes em diversos produtos visuais, como zines e vídeos.

Para a capa deste lançamento, voltamos ao rico mundo de construção mitopunk do artista. A figura do Tamanduá Bandeira Negra: um híbrido ciborgue de tamanduá-bandeira e humanóide, é um historiador de um futuro distante que investiga, por meio de uma série de zines e CDs de compilação, uma cultura experimental do cerrado há muito tempo extinta. Vemos, também, a Baleia Negra: uma imagem icônica de uma arca biônica, preservando o conhecimento, enquanto nada pelos oceanos que outrora fora terra firme. Esses observadores do futuros olham para trás, para “a invasão das telas”: nosso próprio drama histórico enquanto nos fundimos com nossas tecnologias de espetáculo.

Liricamente, você pode se surpreender. O ruído é, quase por definição, escatológico. E há passagens neste EP que dão a sensação de que a entropia finalmente venceu e um ruído branco é tudo o que resta no fim dos tempos. E, no entanto, há muita positividade aqui. Um anseio utópico. Liberdade de religião, fronteiras e rituais sem sentido. Até mesmo a faixa “de Veias Abertas”, enquanto documenta medos de futuros desconhecidos e se aproxima do sentimento que Bruce Sterling descreve como “Dark Euphoria” (“Você pode não acreditar nas possibilidades, mas nunca pensou que teria tanto medo delas.”) é pontuada por reluzentes e belos toques agudos. Como se estivéssemos flutuando com uma esperança cintilante através de uma caverna de cristal.

A faixa final é quase que um renascimento da alma, para além da humanidade. Onde uma enxurrada de ruído branco lava o mundo, limpando-o e tornado-o, mais uma vez, novo. E nos tornamos completamente alienígenas. Quando as letras poéticas chegam, tudo isso não se parece tanto com uma mirada ao futuro, e sim, mais às nossas histórias primitivas contadas ao redor de uma fogueira, olhando para ele.

O músico eletrônico Mentufacturer é atualmente investigador residente no Gilbert Lister Research, um microlaboratório online que pesquisa melodias e softwares musicais. (dionysian-industrial-complex.net/br/cplx20-gilbert-lister-research-micro-laboratory/)

Mesmo antes desta residência, ele começou a explorar melodias e as progressões de acordes que lhes são subjacentes, principalmente através de código escrito por ele mesmo nas linguagens de programação Sonic Pi, Haskell e Python. Agora, na Gilbert Lister, esse código foi condensado em “GoldenPond, uma biblioteca de código aberto para gerar progressões de acordes.

Essa adoção de uma teoria musical bastante tradicional (embora por meios pouco ortodoxos) levou a esboços que Mentufacturer começou a chamar de gênero “sépia”: sons eletrônicos modernos acoplados a uma linguagem harmônica e melódica que soava como um retrocesso ao final do século XIX e início do século XX. Para as capas desses lançamentos, ele abraçou avidamente uma linguagem visual de fotografias antigas e senhoras Eduardianas sentadas ao piano, que, juntamente com o esquema de cores verde e roxo radioativo bilioso usados por Mentufacturer, começou a criar uma vibração doentia “fin de siècle” para a coisa toda.

Agora Mentufacturer traz o primeiro lote de resultados experimentais de Gilbert Lister para o Dionysian Industrial Complex, desta vez inspirando-se visualmente na versão mais extrema daquela decadência do final do século XIX: a própria fada verde, que aqui se torna uma metáfora para o excesso de indulgência na melodia.

Na verdade, isso em um álbum doentiamente obcecado pela melodia. Todo o resto é reduzido a uma fórmula simples: uma batida básica, geralmente com presets de samples TR-808 nítidos, uma progressão de acordes diatônicos salpicada de dominantes secundárias e outras cadências saborosas e organizada em arpejos saltitantes gerados com ritmos Euclidianos da biblioteca GoldenPond.

Mentufacture projeta suas melodias exageradamente, muitas vezes usando sintetizadores bizarros e ásperos que podem soar como “música de videogame”. Se sua única referência para música eletrônica que é melodiosa e não presa a um gênero de pista de dança fosse “videogame”, então essa analogia pode funcionar, mas não capta bem a sensação desses pequenos estudos que continuamente lançam ecos de estilos musicais mais antigos, apesar de seu brilho moderno forjado em DAW.

Outra forma de pensar nisso é como uma espécie de “hiper-muzak”. Como o próprio Mentufacturer diz: “Quanto melhor eu fico nisso, mais próximo fico da música que toca quando estou esperando na fila do banco”.

Mas isso não é um jazz suave. A coisa toda tem uma qualidade artificial estrondosa. Como convém às suas origens mecanicistas, nada é orgânico ou humano. A bateria, os acordes e a melodia são tocados com pouco interesse na sutileza da produção ou do arranjo. Nada para distrair ou acalmar o ouvido sendo bombardeado com motivos açucarados: oprimido e devorado por vermes se contorcendo. Tudo é clinicamente artificial e horrivelmente assobiável. 

Dois exércitos se preparam e treinam em segredo. Cada um refinando suas táticas e estratégias. Cada um foi forçado a adivinhar as habilidades e ações do outro.

Mas tudo é hipotético – uma nuvem de ignorância – até o momento, conhecido apenas por um lado, em que um ataque é lançado e a guerra começa. Todas as nuvens de potencial, todas as incertezas quânticas, os planos não testados nas cabeças e mãos dos soldados tampouco testados, finalmente colapsam numa mesma realidade cinética.

Este é o princípio composicional do Duo42. Dois músicos que treinaram e praticaram em segredo. Um deles, euFraktus_X, em Brasília. O outro, TJ VJuga, na Eslováquia. (O primeiro músico daquele país que recebemos no Dionysian Industrial Complex). Cada um prepara e planeja seu lado da colaboração de forma independente. Gravar, improvisar (“comprovisar”, como VJuga chama) sem nada além de suposições sobre o outro. É apenas no momento de crise, do colapsamento – o momento da performance ao vivo, transmitida para o mundo online – que os dois lados se encontram formalmente, os seus arsenais sonoros são pesados e somados, e a realidade final da música é triturada a partir de o campo das possibilidades.

O resultado desse primeiro encontro é o que você ouve aqui.

Em 2023, “Colapso” e “Paz” são duas palavras que orbitam nossas mentes, como luas sinistras lançando sombras tortas. Eles giram em torno de nossos pensamentos, puxando e empurrando todas as outras ideias para fora de seu caminho. A paz é o potencial ausente que estamos sempre buscando e esperando. O colapso é o que acontece em vez disso.
O colapso é a chegada de uma realidade concreta. Pontuação. Uma certeza horrível.

Você pode, portanto, se surpreender ao ouvir este EP pela primeira vez. Parece não haver guerra nem paz nesta música. Não há drama sonoro explosivo. Sem foguetes ou tanques. Nenhum grito de medo, ódio ou dor. Não é o som da guerra. É, à sua maneira, “calmo”.

Mas tampouco é o som da paz. Esta música é inquietantemente aberta e incerta. Não há chegada reconfortante a uma tônica. Nenhuma estrutura estável na qual improvisadores ou ouvintes possam construir sua felicidade. Esta é uma calmaria que pode ocorrer antes, depois ou mesmo no olho da tempestade. Mas é uma calma que não subestima a tempestade. Um estado de contínuo e infindável “alerta”.

As palavras aqui também podem surpreender. Em grande parte extraídos de uma ideia derridariana de “duplicidade interna do texto”, eles são repetidos em muitas vozes e em muitas línguas. Com as vozes das filhas dos dois músicos. Às vezes doces. Às vezes sinistras.

Mas talvez não devêssemos ficar tão surpresos. Especialmente se passamos algum tempo nas redes sociais durante os conflitos recentes. A guerra é também um conflito de narrativas. Múltiplas interpretações da história, que foram preparadas, polidas e aperfeiçoadas com anos de antecedência. Até que de repente entram em conflito entre si pelos campos de batalha das mídias sociais.

A aparição de Derrida pode nos levar a especular. Embora este não seja o som da paz, talvez seja o som do ESPECTRO da paz. O incondicional ou ideal de paz que nos assombra em tempos devastados pela guerra. A paz que recordamos com nostalgia e que sonhamos para o futuro.

Note this EP is simultaneously released on Hevhetia and Dionysian Industrial. The Slovakian version is raw, unmastered. The Dionysian one has been mastered with the help of AI.

Nos 10 anos desde sua concepção como produto da pesquisa de doutorado de seu fundador e principal programador, Eufrasio Prates, a Orquestra de Laptops de Brasília tornou-se tanto uma figura presente na cena eletrônica e experimental brasiliense, quanto uma frente pioneira ferrenha e desafiante de novas ideias e tecnologias de composição.

A orquestra em si é um coletivo livre e mutante que, ao longo dos anos, agregou uma variedade de músicos – de formação e amadores, eletrônicos e acústicos, experimentais ou apenas curiosos e abertos – que participaram em uma variedade de performances e colaborações.

Muitos desses músicos já apareceram sob outras identidades no selo Dionysian Industrial Complex nos últimos anos. O próprio Eufrasio exorcizou sua identidade heavy-metal , e colaborou como membro do trio Bioborgs e ainda com um supergrupo maior no Enantiodromia.

Apesar disso, é a BSBLOrk que representa e demonstra toda a extensão do cometimento de Prates com uma estratégia vanguardista: sua ambição em empurrar tanto músicos quanto públicos para além das regras e convenções que eles já conhecem e explorar novas formas de se fazer música.

O primeiro aspecto notável é que a BSBLOrk é uma configuração viva para a performance, na qual cada membro tem seus próprios alto-falantes e sua própria fonte de som. A totalidade é mixada “no ar” com todas qualidades acústicas (e, às vezes, fraquezas) do espaço de performance; e todo ouvinte escuta uma versão sutilmente diferente do evento dependendo de sua posição relativa aos músicos. Em algumas performances, a orquestra é espalhada por entre o público até tocando ao redor dele.

Esta forma de trabalhar claramente torna o arquivamento e preservação da música um desafio. Até que a pandemia da COVID levou a BSBLOrk a se adaptar a uma nova forma de performance online, a maioria das gravações foram videos de locais específicos dentro de algum espaço acústico. Geralmente feitos por celular. Em alguns desses casos, você vai ouvir trechos de conversas do público ou barulhos estranhos no meio da música.

Apesar disso, o que é captado é a concretude instantânea essencial da orquestra. Nem a música eletrônica e nem o experimentalismo devem ser considerados para se deduzir que essa música seja um exercício cerebral de abstração descolado do mundo. Muito pelo contrário. A BSBLOrk está inserida no mundo e abarca todos seus aspectos em totalidade.

Isso é particularmente claro quando se considera três aspectos que perpassam muitos trabalhos da orquestra ao longo de seus 10 anos de história: fisicalidade, ludicidade e engajamento político.

O fato mais evidente da performance da BSBLOrk é o uso ostensivo da câmera do laptop como dispositivo de controle e entrada para seu software musical. Os músicos, seja em pé ou sentados, sempre estão em movimento em frente às suas câmeras. Quer seja por gestos sutis com as mãos ou grandes movimentos com os braços, existe uma física necessária para performar essas faixas. Ao mesmo tempo, o programa de Eufrasio, com sua natureza fractal e caótica, traz resistência às intenções dos músicos, forçando-os a lutar contra isso. O mundo físico não é receptivo às tentativas humanas de ordená-lo, e a instabilidade inerente ao software cria e revela esse dinamismo físico tanto ao músico quanto à música. Além do mais, as câmeras muitas vezes estão voltadas para a plateia, convidando e incluindo sua presença e movimento na música, como estímulo e evidência adicional do caos do mundo.

Isso perpassa a segunda dimensão de interesse da BSBLOrk: ludicidade. Muitas “partituras” são improvisadas durante o acordo, ou profanação lúdica, de regras de jogo. No roteiro-partitura de “Pulses” (demonstrado nesse álbum com Pulsos Impromptu (2014)), os músicos rolam dados comicamente grandes para gerar uma sequência randômica de números que determinam mudanças microscópicas de frequência e ritmo no campo de drones e pings. (Esses grandes dados têm sido usados reiteradamente na história da BSBLOrk para dirigir tanto músicos quanto dançarinos colaboradores).

Ludicidade é o que medeia as regras e a quebra de regra no trabalho de Eufrasio. Todo roteiro-partitura da BSBLOrk começa com algum tipo de sistema de regras. Mas oportunidades fortuitas de subverter algumas dessas regras são aproveitadas com entusiasmo. Na verdade, o lançamento desse álbum no Dionysian Industrial Complex já é em si uma subversão. Na medida que o roteiro tem “regras”, isso quer dizer que música deve ser “composta” e “decidida na hora” em vez de uma simples gravação de uma improvisação. E ainda assim, aqui estamos com um álbum que, em essência, é uma gravação de improvisações.

A dimensão final da assimilação do mundo pela BSBLOrk é um engajamento político social: sua música vai desde a sátira política, pelo lamento ambiental até encenações escatológicas. Esta música é feita para significar algo além de meros prazeres e agonias da experiência auditiva.

Mais uma vez, a sensibilidade lúdica é invocada para mediar entre opostos aparentes e às vezes tornar horrores quase suportáveis. Desde a primeira faixa dessa compilação, que já foi tocada em uma ocupação de sem-tetos do MTST (Movimento dos Trabalhadores Sem Teto), onde crianças dançaram alegremente em frente às câmeras, encantadas com os sons absurdos que elas criavam; até a última faixa, onde os músicos são envolvidos em um jogo de Mútua Destruição Assegurada fictício, atirando mísseis nucleares virtuais uns aos outros. As vozes de políticos são transmutadas em insetos em Insetos Impromptu #4. No Impromptu Lis Marina, seguindo a instalação da artista de mesmo nome, os músicos encenam os poderes do governo disfuncional, o toma-lá-da-cá e até permitem à plateia suborná-los para que mudem suas “políticas” musicais. Em 2020, quando o mundo estava obcecado com a COVID-19, a BSBLOrk procurou achar beleza no DNA do vírus então recentemente sequenciado, transcrito em forma melódica.

Em outras palavras, a música da BSBLOrk nunca é confortável ou fácil. É sempre SOBRE algo real. E a realidade pode ser tanto feia quanto bonita. A música da BSBLOrk é imprevisível e incontrolável intencionalmente. Ela rejeita e insulta convenções musicais. (Em Improviso Holofractal #20, executada na conferência Understanding Visual Music, o trompetista Ricardo Borgman é lançado em uma batalha de um homem só contra uma saraivada de samples randômicos de música clássica). Até seus próprios integrantes às vezes ficam frustrados pela recusa peremptória de Eufrasio ante qualquer coisa que lembre ritmo e melodia tradicionais.


Mas a BSBLOrk continuamente desafia seus próprios membros e uma boa parte da comunidade de música experimental, insistindo que resistamos à tentação de fazer o fácil e previsível. A BSBLOrk mostra que você pode ter coragem de continuar explorando além das fronteiras, que você pode abarcar tanto as regras quanto a sua quebra, e explorar novas formas de ordem e caos, e finalmente encontrar ali mundos sonoros. Estes são também seu próprio mundo, escutado de uma nova maneira.

Este álbum, no formato de CD físico graças à coragem e apoio do selo estadunidense Public Eyesore, de Bryan Day, é uma celebração e documentação bem-vinda dos primeiros 10 anos da BSBLOrk. Ele nos lembra o que a orquestra conquistou até agora, mas também nos dá um pequeno vislumbre das potencialidades que esperam para ser exploradas nos próximos 10 anos. 

É uma lista de artistas conectados à cena eletrônica brasiliense (incluindo algumas artistas e amigas deste selo).

O tema da mixagem é a jornada entre a cidade e a galeria. De um espaço urbano barulhento e agitado para um espaço silencioso e contemplativo, mesmo que não totalmente seguro ou confortável, pois é assombrado por nossos demônios sociais e psíquicos. Ainda assim, a galeria oferece um espaço longe das distrações da cidade, para considerações mais profundas ou apenas mais amplas…

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Tracklist :

• J4ck Sh4rk – I Am Becoming The Worst I Can Be
• Meduna – Prezata
• Victor Valentim – Cinco
• Ghales – Confetti Glyphs
• Mentufacturer – A Piano Theme
• Krispim – Cristal Molecule
• Kurup – Bit Silêncio
• mymk – Red Oak Hologram
• Phillip Häxan – Lines
• YPU, Palamar – Ansiedade
• REC, Kino Lopes – Kapiroto, Pt 2
• Dione Bigode – Rodent Love for Vintage Processed Trees

Ao final de 2019, um grupo de músicos brasilienses – incluindo membros da Orquestra de Laptops de Brasília (BSBLOrk) e do Nomade Lab – foram convidados pela Galeria Alfinete para improvisar um diálogo com uma instalação de Milton Marques.

A obra consistia de um disco motorizado, coberto com pó de giz. Conforme o disco girava, era arado e sulcado por um gancho de metal pressionado contra sua superfície. Do lado oposto do disco, a superfície quebrada era reconstituída por um bloco nela apoiado, pesado com balas de alguma arma.

O disco era, portanto, o microcosmo de um eterno ciclo de ordem rompida e reestabelecida. De criação e destruição. De “enantiodromia”, coisas tornando-se os próprios opostos.

Conforme girava o disco, sua lateral degradada era filmada proximamente, e sua imagem, projetada contra uma das paredes da galeria, preenchendo-a. Dessa forma, o microcosmo de destruição contínua foi amplificado para uma escala aparentemente tectônica, tornando-se um visual de intermináveis terremotos ou colapsos glaciais.

Mesmo sendo uma peça amplamente improvisada, para estruturar a performance, dois músicos foram convidados para “compor” duas principais metades ou movimentos, definindo instruções específicas e material para os demais músicos trabalharem.

Estes dois movimentos ou “forças complementares” principais foram compostas por Ghales (Torque) e euFraktus X (KronUs), com o artista sonoro K-Torrent convidado para adicionar novos sons através de um violino distorcido e degradado, na transição entre os dois.

Finalmente, os músicos foram encorajados a retornar do segundo movimento para os elementos da primeira na “coda” final, nomeada Momentum, onde a peça feça um círculo, voltando ao início novamente.

O resultado, capturado e levemente editado e remixado é, em vários níveis, “épico”. Contudo, é também uma confusão. Uma caldeira de ideias e estilos em que se ouve, de fato, um mundo em constante movimento e sujeito a uma destruição criativa. Uma juxtaposição do humano e do abstrato. O orgânico e o eletrônico. Políticoo e geológico. Fragmentos melódicos e ruído.

Ghales inicia torque com a introdução de Leandro Columbi lendo textos através de sua cadeia caseira de efeitos sonoros, transformando o humano através de uma catástrofe de gaguejados, faseamento, modulações e alterações de pitch. O improviso vocal de Leandro é por vezes inteligível, ocasionalmente se assemelha a assovios de pássaros, ou grunhidos graves e murmuros entediados.

Enquanto isso, Ghales e djalgoritmo começam a trazer uma percussão LiveCoded (codificada ao vivo). Uma sequencias de potes vazios de argila que parecem tropeçar continuamente sobre si próprios, falhando a estabelecer qualquer forma de pulso.

Jackson marinho entra com suas interfaces sonoras customizadas: um moedor de carne e uma kalimba.

Gradualmente Ghales e djalgoritmo conseguem trazer o caos a certa ordem, empilhando linhas percussivas, indroduzindo temas como sinos ecoando e regando-os com um chorume de bumbos e pratos. Até que um baixo estrondoso começa a dominar sob os cortes irregulares de ruído, e o mundo torna-se um mutante honky-tonk e uma escada de acordes digitais ascendentes que apunhalam brilhantemente.

De algum local indeterminado, a voz de um apresentador de telejornal Brasileiro se intromete, calmamente reportando turbulências e agitação política. Entretanto, a voz de Leandro assume um coro de “Irresponsabilidade” com a voz repleta de tédio, um fundo de ruídos e apitos agudos atribui ao golpe político contra a presidência de Dilma Rousseff uma qualidade hipnagógica, alucinógena. Como se pudesse ser tudo apenas um sonho ruim.

Ao término da transição, KronUs, de eufraktus X, apresenta-se com um drone pungente. Torrentes sugadoras, rabiscadoras e arredondadas de água de degelo. Os assovios de Leandro sobrevoam um panorama de fraturas e rachaduras geológicas, uma geleira em dissolução. Um silvo de ruído. Guinchos e tons sintéticos erguem-se e caem. Mas as falhas e estouros tornam-se mais evidentes ao som de tiros. Seria uma zona de guerra? Um tiroteio noturno numa favela?
No mundo-disco rotatório de Marques, o bloco que suaviza a superfície rompida é pesado com balas. A violência, então, traria ordem?

Se Marques quiser sugerir isso, os músicos parecem discordar. Conforme a calma imaginária começa a romper-se entre os disparos, os sons tornam-se agitados. O canto de pássaro torna-se mais frenético. Jatos de doppler sobrevoam. Bombas explodem. Lasers. O moedor de carne está em ação. Leandro grunhe como uma horda zumbi. Então percebemos que é o inferno. Um dos círculos mais abafados do inferno de Dante. Onde badala um sino decrépito.

O tempo gravita inexoravelmente para um hino fúnebre. E a geleira derrete. Entropia toma efeito, o som torna-se ruído branco.

Na tela projetada, a terra em pó continua seu colapso desmoronante eterno.

Nunca se pisa no mesmo terremoto duas vezes

E então, a partitura de euFraktus X pede que os outros intérpretes improvisem ao redor da natureza cíclica da história. O pêndulo balançará de volta do período obscuro que vivemos. Sombras políticas serão dispersadas pela luz. [1]

euFraktus convida uma criança, Myrrha Morcelli, de cinco anos, para interagir com as câmeras que controlam seu software musical, trazendo uma energia lúdica à cacofonia. Os sons do inferno se rearranjam em uma dança efervescente e leve. Isso é uma clarineta praticando escalas? E os tiros, seriam apenas fogos revolucionários?

As encantamentos de Leandro tomam ritmo. Novos riachos de som fresco e contorcido tomam seu rumo para fora das rachaduras. A voz de Leandro sofre loops e stutters, e isso constrói energia. Até os sinos adquirem velocidade. Riverrun. Rumamos de volta ao início.

[1] Essa gravação foi feita no desespero político do final de 2019, antes que o grande pesadelo ddo COVID19 tivesse explodido no mundo. Mas escolhemos tomar uma mensagem semelhante de esperança de KronUs. O ano da doença pode ser severo, mas eventualmente sobressairemos.

Talvez fosse inevitável que o Dionysian Industrial Complex fosse oferecido, e entusiasticamente aceitasse, um álbum conceitual de vaporwave sobre Posadistas: o segmento extremo trotskista que virou uma fábrica de memes de internet, famoso por suas crenças em OVNIs Comunistas, necessidade de guerra nuclear, pesquisa de gravidez em gravidade zero e comunicação entre humanos e golfinhos.

Vaporwave, e seu primo inglês acolhedor mas meio sinistro “hauntology”, são gêneros de música que surgem de uma mistura de fatores tecnológicos: laptops com editores de áudio e sampleadores baratos, a rica memesfera das mídias sociais, o crescimento de camadas geológicas de histórico de material musical disponível para pilhagem. E uma nova geração de músicos prontos para se engajarem nisso.

Mas no que essa junção de forças pode dar no Brasil? Em 2019, “nostalgia” foi talvez um material perigoso e ambíguo para se trabalhar. O país cedeu a movimentos populistas de extrema-direita do final de 2010, divisionismo alimentado por mídias sociais e revisionismo histórico. O governo abertamente aplaude a ditadura militar de 64, e ameaça oponentes políticos com um retorno do AI-5, o decreto da ditadura que tornou ilegal qualquer oposição política efetiva.

“O Único Caminho É A Frente” de Lionuki nos dá um breve olhar do resultado artístico desse ambiente techno-cultural encarcerador com o pessimismo da política contemporânea. O álbum evoca memórias de um movimento revolucionário de guerrilha que mal existiu, mas que foi reinventado como um código para a era dos memes. Posadismo dá ao comunismo das antigas uma roupagem fofa meio new-age. Um sonho technicolor de OVNIs e camaradas golfinhos; um líder messiânico meio Che Guevara, meio John Lilly; o arrebatamento máximo com ETs vindo nos salvar do capital.

Num tempo onde é mais fácil imaginar o fim do mundo do que o fim do capitalismo, talvez seja mais fácil abraçar um comunismo de memes piadistas sobre o apocalipse nuclear, do que confrontar o desafio de construir uma consciência de esquerda mais séria em uma força de trabalho casual e fraturada, e políticas identitárias tóxicas. E esse pode ser o maior pessimismo de todos. Mas numa era onde a extrema direita marcha sob a bandeira do Sapo Pepe e abraça o terraplanismo, estaria, talvez, a política condenada a se tornar um jogo entre contadores de histórias, competindo para produzir as ficções mais atraentes e absurdas? Citando Robert Anton Wilson: “O limite entre o Real e o Irreal não está fixo, apenas marca o último ponto onde gangues rivais de xamãs se enfrentaram até chegarem a um impasse”.

Tudo isso é bastante estimulante para o intelecto e divertido de ficar pensando sobre. Mas como soa a música?

Felizmente, a coisa mais notável é que “O Único Caminho É A Frente” é boa diversão sonora. Batidas felizes de house, toques melódicos adoráveis, samples de MPB ecoando como dub ou dancehall. Seu ponto de contato musical é o alvorecer da cultura de dance music dos anos 90, invocando aquelas viagens livres de DJs de techno / ambiente, tipo The Future Sound of London, The Orb ou Coldcut. Às vezes lembra Tales of Ephidrina de Amorphous Androgynous, Lifeforms de FSOL, ou Chill Out de The KLF. Com uma camada extra de reverb vaporoso.

Esse é um album forte na nostalgia pelo techno-otimismo daquela era, feito por gente jovem demais para terem estado lá.

Mas é também intencionalmente contemporâneo. Existe um conhecimento trágico latente de que o otimismo fluorescente hiperativo dessa era estava destinado a desaparecer. Tudo aqui é cor de pôr-do-sol. Rosa-choque, laranja, água-marinha e azul-safira.

Tudo aqui também te lembra de alguma outra coisa. Tudo aqui É alguma outra coisa. Existe uma antropofagia onívora casual quando Lionuki fortuitamente mistura MPB e trilhas sonoras de anime no seu pote. Há sussurros sinistros e surtos de riffs roqueiros e linhas de baixos em “dias impossiveis 余波”. O maravilhoso “eeeee ee eee” nos mergulha em comunhão com os golfinhos através de murmúrios em vocoders eroticamente manipulados com baixos 303 borrachudos, que, então, são cobertos com arpejos de Rhodes cintilantes, até que um repentino orgasmo de sintetizadores sweep chama uma batida DnB que poderia ter estrelado o álbum Double Figure de Plaid.

“estranhos” é um colapso em cascatas de escalas descendentes, que rapidamente se levanta num trilho tortuoso de baixos FM. Antes de cair através de nuvens de bitcrush e wah-wah no pulso intenso de “protetores da poeira estelar”, que é rapidamente invadido por um cantor de forró desintegrando.

E desabamos no sombrio ato final de nossa jornada. “completa felicidade” é embebido em ironia, uma trilha sonora para se esperar pelas bombas nucleares caírem, enquanto o álbum encerra e essa montanha-russa na máquina do tempo movida a arrependimento chega ao seu final desesperado.

Mentufacturer descreve a si mesmo como um garoto industrial que cresceu e acabou tendo que admitir seu amor por mantras melódicos. Quando não trabalha nos bastidores, como um dos fundadores / curadores do Dionysian Industrial Complex, ele tenta justificar essa afirmação com uma série de EPs peculiares que combinam percussões barulhentas e desordenadas com refrãos saudosamente melódicos tocados em plugins de sintetizadores baratos.

Mas neste single, em colaboração com o cantor xamânico Biophillick, ele se concentra no chill ou glo-pop do início dos anos 2010. É um assunto nebuloso no estilo de “Work Drugs” ou “Neon Indian”. Um som que é “brilho do sol no mar e cores saturadas na praia”.

Ou, ao menos, é por aí que você sente que Mentufacturer quer levá-lo. Mas movimentos estranhos continuam perturbando esse devaneio. Uma bateria agressiva de golpes distorcidos marca o final de cada compasso, como um valentão na praia chutando os castelos de areia… Uma parada súbita da fita cassete rompe a vibe para anunciar um baixo ecoando, que pode muito bem ter vindo do pós-punk dos anos 80. As caixas tipo trap são um pouco nítidas demais para a cena impressionista. Os vocais lânguidos e ligeiramente androidificados de Biophillick, em comemoração “à luz quente” e “a serpente de néon de mil cores”, ajudam a restabelecer a sensação da glo-wave. Mas a musica permanece um pouco robótica demais. O equivalente em áudio da arte visual de Biophillick: um intenso néon elétrico apropria-se das cores suculentas da natureza.

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Alguns EPs exigem anos de pesquisa e desenvolvimento, refinamento e revisão cuidadosos. Análise e melhoria respeitosas.

Este EP não é um deles.

Aconteceu rapidamente em um fim de semana, depois que Tiwanaku Tekno passou alguns dias roubando sons dos instrumentos pré-hispânicos de vídeos no YouTube para um outro projeto, o “Gate of the Sun” não é uma peça autêntica de pesquisa etnomusicológica.

De fato, é nada mais do que TECHNO à moda antiga. Minimalista e cru. Apenas um jam com uma bateria eletrônica. Procurando um balança com um bolsa de samples.

No entanto, há respeito aqui. E admiração e amor pela sonoridade desses instrumentos. Tiwanaku Tekno mistura samples de apitos de jaguar asteca com jarros de água peruanos com chocalhos e abanadores e palitos de chuva e um monte de samples da categoria “étnica”. Mas resiste à tentação de tratá-los como mera decoração para uma música eletrônica mais convencional. Esses tambores, mesmo em seu formato de baixa qualidade, dominam este mundo. Assim como as flautas e assobios cujas tonalidades e harmônicas dominam uma vez assumidas, sem concessão de estrutura harmônica ou melódica mais convencional (ou europeia).

O resultado é convincentemente “trash”. O exótico kitsch de música “indigena”, estruturada pela simplicidade austera e mecânica do techno. É tudo o que você teme que seja, mas também algo que você poderia amar.

Este EP utiliza samples, sem permissão, mas com respeito e gratidão, das seguintes vídeos :

www.youtube.com/watch?v=EYvjyNGbqn8 , www.youtube.com/watch?v=fYOcJDxASag , www.youtube.com/watch?v=_OBU_jPYgSA,
www.youtube.com/watch?v=BjVXWImbWnE